ソングライティング・マスタークラス：ポール・アームフィールド氏へのインタビュー

これは特別なブログ投稿であり、私やライアンがここアメリカン・ギター・アカデミーで普段書くものよりも、確実に長いものになっています。最近、私はこれまで出会った中で最も才能あるソングライターの一人かもしれない紳士、ポール・アームフィールド氏にインタビューする機会に恵まれました。

ポールは、イギリスのワイト島で広く知られた存在です。私はこの地で育ち、音楽の旅を始めました。最初に彼と出会ったのは、彼が書店のマネージャーをしていた時のことでした(彼の言葉のセンスの源がどこにあるのか、何となく想像できますね!)。その後、私が通っていたカレッジの関係で再び出会うことになりました。

少し前に、私はソングライティングのアイデアについてのブログ投稿を公開しました。その記事では、私が使ってきた、または知っているいくつかの作曲方法について紹介しました。しかし、私は自分自身を完全に熟練したソングライターとは思っていません。そこで、真の名手によるマスタークラスを受けるのが理にかなっていると考えました。ぜひお楽しみください!

ポール・アームフィールド

 

私たちは楽器の演奏をどのように始めたのか、ギターを弾き始めた経緯、あるいは彼がどのようにして自身の音楽を作り始めたのかについては深く話しませんでした。しかし、彼の演奏を見れば、長年の経験がにじみ出ていることがわかります。彼のプレイには無駄なものが一切なく、必要なものだけが存在しています。私の視点から見ると、彼は類まれなる言葉の才能を持ちながらも、「不要」という言葉を辞
書に持ち合わせていないように感じます。

「私はとても基本的なギタリストであり、そこそこベースを弾くことができますが、キーボードのスキルは全くありません。」

彼は自身の技術について謙虚に語っていますが、技術的に優れたギタリストであることは間違いありません。彼には、多くの人が持ち得ない特別な才能があります。それは、歌を通じて自身の考えやアイデアを具現化するために、まさに必要な音だけを奏でる能力です。興味深いことに、ポール・アームフィールド氏は単なるギタリストではなく、素晴らしいベーシストであり、卓越したボーカリストであり、さらにはミュージカル・ソウ(音楽ノコギリ)の名手でもあります……そう、ノコギリです!ドイツで彼が自身の楽曲「Evermine」を演奏している動画をぜひご覧ください。美しい楽曲であるだけでなく、どこの金物店でも手に入るシンプルな道具で何ができるのかを見事に
示した素晴らしいパフォーマンスです。彼のウェブサイトによると、ポールは 1980 年代後半に東ヨーロッパで過ごし、1990
年代初めにワイト島に戻ったといいます。

「革命的な東ヨーロッパで数年を過ごした後、ポール・アームフィールドは 90 年代
初めに愛するワイト島に戻り、結婚し、子供を持ち、本を売り、歌を書きました。」

その後、ポールはゆっくりとアルバムをリリースし、イギリスとヨーロッパ全土で数多くのライブを行いました。その中には、私が実際に目にしたことのあるワイト島でのより親密なライブも含まれています。

マスタークラス

 

ここからは、私たちのインタビューで取り上げたテーマについて掘り下げていきます。これがマスタークラスのメイン部分となり、いくつかの質問と回答を要約し、そこから詳細に説明していきます。フルインタビューもダウンロードできるように
します!自分らしく聞こえること

「年を取るにつれて気づいたことは、自分らしくない音を出すのは難しいということです。自分が感じるままに進んで、あまり自己規制せずにやっていけば、すぐに自分自身の特徴的な要素を認識するようになるでしょう。」

ここでポールが触れているのは、ミュージシャンとして非常に有用な気づきです;自分らしい音を出すことは難しくありません。しかし、常にスキルや好みが進化し、変化していることを意識しておくことが大切です。そうすることで、あなたの
音も変わるかもしれません!

自分の曲がどうあるべきかをあまり心配せず、そのアイデアが育つ過程を大切にしましょう。広告会社などからの依頼で書く場合などの特別な例を除けば、あなたが書くのは基本的に自分自身のためだけです。もしあなたのプロジェクトが、何か陳腐で予測できる方向に進んでいると感じたなら、別のアプローチが取れるかどうか、そしてその代替案の方が元々のアイデアよりも好ましいと感じるかどうかを判断してみてください。もし他の曲を盗作していなければ、最も重要なのはあなた自身の意見だけです!

これには技術の適用にも関わります。作曲に焦点を当てるのではなく、過度に技術に集中するミュージシャンが多すぎます。特にギタリストは、自分の技術を強化して周囲の人々を超えることに集中しがちです。若い人や経験の少ない人々が、Instagram という毒に満ちた交流の場に登場するとき、この傾向はさらに強くなります(とはいえ、Instagram も適切な文脈で使えば有益なツールになり得ることを付け
加えておきます)。自分の頭の中にあるアイデアを演奏できるように努力している限り、あなたは正しい道を歩んでいます。

「これが私たちのユニークさの本質です。」

シンプル vs 複雑

これは音楽が存在する限り、ほぼ同じくらい長い間音楽家たちを悩ませてきた問題です ― 複雑さが曲をより良くするのでしょうか?短い答えは「いいえ」です。それでは、もう少し深掘りしてみましょう!

私が学位のために論文を書いていたとき、私の専門分野ではありませんでしたが、非常に興味深い研究を見つけました。その研究では、曲が人気であればあるほど、シンプルであることが多いという結果が示されていました。ここで明らかな点は、常に意見の要素があるということです、そしてそれが最も重要な点です ― あなたが聴いている曲が好きですか?または、もっと文脈に沿った言い方をすると、あなたが書いている曲が好きですか?その研究は、音楽の複雑なスタイルが知能のレベルと相関関係があることを述べていましたが、それは当時も今も私が開けたくないワームの缶でした!著者は、この研究結果が音楽を消費する特定の文脈にのみ適用されることを慎重に指摘していました。

私は最近、ジョン・フォガティの曲を教えていたのですが、クリーデンス・クリアウォーター・リヴァイヴァル(CCR)のクラシックな曲も一緒に教えていました。そして、生徒が指摘したことは、たとえその曲に 3 つか 4 つのコードしか使われていなくても、それがその曲が他の面で非常に複雑であることを損なうわけではない、ということでした。

ジョン・フォガティ – センター・フィールド
https://www.youtube.com/watch?v=Xq3hEMUeBGQ

CCR – バッド・ムーン・ライジング
https://www.youtube.com/watch?v=zUQiUFZ5RDw

「私は通常、とてもシンプルな曲を提示するのですが、それがシンプルであるほど、彼らの革新の余地が増えるのです。」

ポールは、自身の創作のために様々なミュージシャンと一緒に働くことにも、他のプロジェクトに参加することにも慣れています。彼が好むと思われるのは、音楽を作り上げていくコラボレーションの側面であり、他のミュージシャンの提供によって、あなたの創作があなたが想像もできなかったものに変わっていくのを見守ることです。それでも、その作品は確実にあなたのものとして、他のミュージシャンの
貢献によって成り立っています。

私は、時には曲を最初から最後まで一人で完成させなければならないことがあることを指摘したいと思います。それは起こり、その時が来たときには歓迎すべきことです。その他の時には、曲に貢献してもらう人を、友人だからではなく、ミュージシャンとしての能力を基に選ばなければならないこともあります。例えば、私は最近スムーズジャズでファンキーな曲を書いたのですが、キルク・ハメットのような人物に参加してもらうのは最悪なアイデアです ― 個人的な意見はさておき、それはチョークとチーズのように、考えるだけで最悪な結果になりそうです。一方、もし私がオールドスクールなスラッシュメタルの曲を書いていたら、彼は良いフィットかもしれません。

曲を書くとき、何かが足りないと感じる時があります。追加のセクションや、特定のラインを演奏する追加の楽器が必要だと感じ、そのことでプロジェクトがあなたのビジョンに沿ったものになるのです。インタビューの中で、ポールは「Found」アルバム(リンク参照)を書く際に、弦楽器や金管楽器の編曲を作成するのにかなりの時間をかけたと語っています。その特定の瞬間には、支援する音楽が正確に思い描けたのではないかと思います!

「― 複雑さの多くは、私が招待したミュージシャンが自分のやり方で演奏することから来ていましたが、私もかなり複雑な弦楽器や金管楽器のパートを作成するのに多くの時間をかけました。」

ポール・アームフィールド – Found
https://www.youtube.com/watch?v=LQdzOoaJv8Q

ミュージシャンとしてのスキルがなければ曲を作れないのでしょうか?これは私自身が何度も聞かれた質問であり、このインタビューでもポールの意見を聞くためにこの質問を投げかけました。私自身の経験から、私は人々が一度も触ったことのない楽器で最もキャッチーなメロディーを作り上げるのを見てきました。おそらく、通常のパターンや従来のアイデアに縛られないことで、創造性に自由な度合いが与えられるからでしょうか? 私は、この場合には本当に自己主張することはできませんから、最も大切なこと、つまり曲を支えることに戻るのだと思います。

「私は高度な技術を持ったミュージシャンではありません。音楽理論も理解していません。私は非常に基本的なギタリストであり、十分にできるベーシストで、キーボードのスキルは全くありません。」

歴史的に最も有名で愛されているミュージシャンの中には、音楽理論に対する深い理解がない、またはなかった人々が多くいます。時代を超えて尊敬される歌手、故アレサ・フランクリンはピアノを得意とし、その声で涙を誘うことができましたが、彼女の訓練は教会で耳で全てを覚えるというものでした。BB キングはコード進行やブルースの演奏方法に関する素晴らしい知識を持っていましたが、彼がミクソリディアン・フラット 6 スケールやクォータル・ハーモニーについて説明できたとはほぼ確信を持てません(これは確定ではありませんので、私の言葉を引用しないでください!)。

この点をユーモラスで奇妙に魅力的な形で示すために、下記のリンクでミュージシャン/コメディアンであるブレット・ドミノによるヒットポップソングの作り方ガイドをご覧ください。彼が突然ファゴットを取り出す場面で、私が言いたいことがわかるでしょう!

ブレット・ドミノ – ヒットポップソングの作り方 第 1 部
https://www.youtube.com/watch?v=JV2s0UIPOQY

小さなアイデアをたくさん作るべきか、それとも一つの作品を作り上げるべきか?

 

「私は通常、曲作りについて考えることはありませんが、プロジェクトがあるとに、ギターで落書きして基本的なアイデアを録音します」

私が抱える問題は、私が様々なアイデアを書き、録音してきたということです。それはほぼ完成したアイデア、コード進行、基本的なメロディー、ストロークパターン、ソロのフレージングアイデアなどで構成されています。私が一人で曲全体を作り上げることは非常に稀です。誰しも個々のアプローチがあり、上記の引用からもわかるように、ポールは私とは反対の立場で、全体を一気に作り上げることを好み
ます。

「-ほとんどの場合、全て一度にやるプロセスで、ギターで落書きして何かが興味を引くまで続け、その後はただの音で歌い始め、言葉や文が浮かんでくるまで続けます。」

何年も前、私はイギリス、ギルフォードの素敵なホテルで、偉大なスティーヴ・ヴァイが主催するマスタークラスに参加しました。そのマスタークラスは「エイリアン・ギター・シークレット」という名前で、私たちのほとんどはヴァイ自身を見たかっただけでしたが、そこで得た情報の一つは、ヴァイが実際にはそんなにエイリアンではないということでした。彼が示した例はシンプルで効果的でした。彼は自分の電話を取り出し、録音した全てのボイスノートをスクロールしました。そこには歌ったり、ビートボックスしたりしたものがありました。その中には個々には小さくて重要でないものもありましたが、全てには可能性がありました。 記憶が正しければ、彼はその時、2016 年のアルバム「Modern Primitive」に収録された曲の一つとなるボイスノートを実際に見つけました。

スティーヴ・ヴァイ – Bop!
https://youtu.be/UimYiaFfnqE?si=m-Rtl3wtZ-VPFtDn

「時々、二つの技術が関わっていると思います。『アート』はその最初のアイデアを空気から引き出すことで、そして『クラフト』はそのアイデアを展開して完全な曲にすることです。」

自分が作り上げたものを誇りに思うこと

「ある時、プロジェクトのために曲作りをしていて、たくさんのアイデアが浮かんできました。その中には完成しなかったものもありましたが、スタジオにいるときに、自分が書いた歌詞を見つけました。それはほとんど覚えていなかったのですが、突然、どう進めるべきかがはっきりして、30 分で完成させました。それが私が最も誇りに思う曲の一つで『You』です。」

ポール・アームフィールド – You
https://www.youtube.com/watch?v=BH9CLZuMx64

振り返ってみると、再度聴くことになる曲があっても、どうしても我慢できないことがあります。それは、自分の演奏に不満があった時期を反映しているかもしれませんし、テクニックがすべてを凌駕してしまったこと(良い意味でも悪い意味でも)やその他の理由があるかもしれません。 それでも、私は常に誇りに思う何かが自分の演奏の中にあるべきだと信じています。それを人々に見せて、あなたの作品について聞かれた時に誇りを持って見せるべきだと思います。

時には、ただ曲を書くことを目標にするだけでなく、それを超えた目標を持つことが有用です。例えば、素晴らしい長期的な目標は、十分に設備の整った録音スタジオでミュージシャンたちと一緒にアイデアを出し合い、その場で録音することです。この目標を実現することで、最終的な成果物がより自分にとって個人的なものになるでしょう。

「私は夢見ていたアルバム[Evermine]を作りました。それは手術から回復している間に 1 週間で書き上げ、1 週間で録音しました。非常に小さな予算で作り、まるで百万ドルのような音がしました。自分のビジョンが素晴らしく実現されたように感じました。」

ポール・アームフィールド – Evermine
https://www.youtube.com/watch?v=fmjvaEI-F4M

チームとして書くこと vs 個人で書くこと

「私はほとんどいつも一人で書いていますが、たまに基本的なアイデアを他の誰か、私よりも音楽の知識が豊富な人に持ち込んで、さらに発展させてもらうことがあります…」

時には、歌を書くことがとても個人的な旅であり、他の誰かが関わることがほとんど不自然に感じることがあります。少なくとも初期段階ではそうです。一人で書くことは、他の誰かに自分のアプローチを形作られることがないことを意味します―奇妙なコードやエフェクトを加えたいですか? 誰も反対しないので、思うままに進んでください。一人で書くことの他の利点には以下のようなものがあります:

• どんな時でも作品にどれだけ取り組むかに制限がない(他の部分より先に興
  味を失うこともあるし、その逆もあり得ます)、
• 過去に一時停止したプロジェクトを再開でき、最初に持っていたビジョンを
  保持したままでいられる、
• よく、次に何をすべきかが分かっているのに、それを説明できないことがあ
  ります。私の経験では、曲がどこに進むべきかを詳細に説明しようとする
  と、プロジェクト全体の勢いが失われてしまうことがありますが、一人で作
  業する場合は、ただ突き進むことができます。

Premier Guitar のリグランダウンタイプのビデオで、ギターの名手であり卓越した伝説的存在のガスリー・ゴーヴァンが、彼と一緒に演奏していたスティーブン・ウィルソンがセット全体で求めていた特定のトーンについて語っています。リンクでそのビデオ(タイムスタンプ付き)を視聴でき、スティーブン・ウィルソンとのインタビュー全文も読むことができます。問題のトーンは「Lonely Swede Lost in the
Forest Sound」と呼ばれるもので、これはウィルソンが求めていたトーンの表現方法で、ゴーヴァンはそれを効果的に解釈する役目を担っていました。このような曖昧で抽象的な考えを解釈できることは非常に有用なスキルですが、作曲家の視点から見ると、そういった障害を飛び越えなくて済む方がずっと楽です。

上記のポールの引用の後半について、時には本当に初期のアイデアを他の人に持っていく必要があり、必ずしもその人が優れている必要はありません、と付け加えますが、アイデアをさらに発展させるためには他の人の意見が必要なこともあります。時には、ほんの短い口頭でのフィードバックであっても、自分の曲の可能性を本当に引き出すためには、その外部の火花が必要なことがあります。

共同作業の他の利点は以下の通りです:

• 他の視点があなたのアイデアを、あなたが考えもしなかった方向に進ませて
  くれることがある、
• 単純なギターパートだけで十分なこともありますが、別の機材や技術的な変
  化でそれをミラーリングすることによって、音がより豊かになります、
• アイデアがうまくいくからと言って、それが正しいか最良の選択であるとは
  限りません。他の人の意見があれば、低品質な部分を批判してもらったり、
  もし決断がつかないならそれを知らせてもらうことができます。

共同で作曲することの賛成をサポートするために、私は大学時代のバンドで初めてスカの曲を作った日のことを思い出します。私たちはすでにスカの伝説的なバンド、ザ・スペシャルズへのトリビュートで学期を終えて、その後は自由に書いて演奏することができました。最初はファンキーでロック風な道を選ぼうとしました。しかし、私たちが持っていたのは私が思いついたリフだけでした。そのリフの問題
は、ドラムのメンバーがすぐに「Red Hot Chili Peppers の‘Suck My Kiss’と全く同じだ」と指摘したことでした―おっと!冗談で、私はスカ風のギターパートを弾き始め、ドラムが加わり、10 分ほどでほぼ曲全体が完成しました。これが私たちのスカバンドを生み出しましたし、ドラムのメンバーが私の失敗を指摘しなければ、こうはならなかったでしょう。

警告!「料理人が多すぎるとスープが台無しになる」という言葉を聞いたことがあるかもしれませんが、それはキッチンだけでなくスタジオにも当てはまります。もし 20 人で曲を書いた場合、2 人で書いた場合に比べて、アイデアは複雑で無駄に交錯した迷路のようになり、実際にはどこにも進まないことが多いです。少なくとも私の耳には、結局は非常に平凡に感じられます。

三角法の物語

ポール・アームフィールド – 三角法
https://www.youtube.com/watch?v=KFf18Itq6Vg

私が今まで聴いた中で最もよく書かれた曲の一つは、ポール・アームフィールドのクラシック「三角法」です。私はこの曲について最初の「アルバム推薦」のブログ記事で書きましたので、こちらで読むことができます。また、私はこの曲のフェンダーローズのソロを 書き写して演奏しました。そちらも見ることができます。私がイギリスのワイト島で大学に通っていたとき、この曲についてたくさんの話が流れていました。インタビューを締めくくるために、ポールにこの曲の実際の起源について尋ねてみました。

「僕の友達アダム・カークはジョーン・バエズのギタリストとしてツアーをしていたんだけど、彼は音楽を作りたいと思っていても、自分の作曲に自信がなかったんだ。それで一緒に作曲しようって座ったんだ。」

この話から私が学んだことは、どんなに優れた人でも、自信がない分野があるということ、そして時には他の誰かがその支えになってくれることがあるということです。この場合、曲は共同作業として始まりました。

「最初のセッションでは、何かを作り出そうと一日中試みたんだけど、僕が他の人と一緒に作曲するのは初めてだったから、すごく怖かったんだ。彼は少しがっかりして家に帰ったけど、彼が帰った瞬間、僕は座ってその曲を約 1 時間で書き上げたんだ。」

この引用から得られる最も重要な教訓の一つは、時には物事がうまくいかないことがあるということです。それは多くの要因が重なっている場合もありますが、ほんの少し時間をおいて同じアプローチを試すだけで、世界が変わることもあります。これを経て二人は再び集まり、録音できるものを録音し、曲をアレンジするのにしばらく時間をかけました。これについては以前にも話しましたが、曲のアレンジは
それ自体が作曲の一形態として捉えることができます。

「『三角法』という曲自体は、数学的なラブソングを書こうという自分への挑戦だったんだ。カオス理論に興味を持っていて、そのアイデアには何か詩的なものがあると思ったんだ。」

作詞家として、また言葉を伴う音楽を聴いたことがある人なら誰でも認めることですが、簡単に韻を踏むことができ、さまざまな状況にぴったりと合う言葉遊びのために苦しむような陳腐なフレーズが無限に存在しています。例えば、カントリー&ウェスタンはトラックやビールに関連付けられ、ブルースは「女が俺を置いていった」などと言うのが一般的です。それ自体は悪くないのですが、しばらくするとそ
れも飽きてしまいます。「三角法」のような難しいテーマは、そもそも書くのが難しく、簡単に韻を踏むことができません。それは簡単に言うと、ちょっと抵抗するようなものです。さらに、数学と愛というテーマを組み合わせることは通常見られません。自分自身で試してみる楽しい実験として、二つの無関係なテーマを思いついて、それらがどう組み合わせられるか考えてみるのも面白いかもしれません。もしかしたら、次の名作がそのページの先に待っているかもしれません。

ここで始めることができるいくつかの対照的なアイデアを挙げてみます:

• 代数と愛(三角法と愛のアイデアの続編)
• 深海と劇場
• テクノロジーと石器時代

 

最後の点を展開すると、これは現代のテクノロジーの進歩と、石器時代にはそのようなものはなかったが、それでも生き残ったという比較です。最初のアイデアに触発されて、私は二つのアイデアを組み合わせた 8 小節のアイデアを書きました。下記でチェックしてみてください!

 

覚えておいてください、テーマに関係なく、歌詞の内容だけでなく、曲のインストゥルメンタル面にも興味を持つことはいつでも素晴らしいことです。あなたの目標は、何か異なるものを見つけ、リスナーを驚かせるような独自の魅力を持ち込むこ
とです。

結論

ポール・アームフィールドとのインタビューは非常に有意義な経験であり、彼の時間と忍耐に感謝し続けます。前述のように、編集されていないインタビュー全体をこちらで視聴できるようにしますので、ぜひ彼のソーシャルメディアや資料へのリンクもチェックしてみてください:

https://paularmfield.com/
https://paularmfield.bandcamp.com/album/trees
https://x.com/thepaularmfield
https://www.facebook.com/thepaularmfield/

ここまで読んでくださった皆さんが、私たちが話したすべてのことから何かを得ていただければと思います。個人的な観点から、私にとって最も影響深かった教訓は、自分自身の声を見つけ、独自のサウンドを認識することについてのものでした。その引用は再度以下に記載します。

「-あまり自己検閲をしないようにして、あなたにとって特有の質をすぐに認識できるようになるでしょう。」

私は常に生徒や仲間、そして私の話を聞いてくれる人々に音楽への愛を教えようとしています。音楽そのものを愛し、自分を制限せず自由に創造することを許せば、あなたは間違いなく際立つ存在となるでしょう。最後に言いたいことがありますが、それは先ほどの点と似ています。それは、成功への期待は決して持つべきではないということです。音楽の創造への愛だけでこれを行っているのであれば、あなたが見つける成功は単なる嬉しい副産物に過ぎません。ポール・アームフィールドがよく他の人に依頼された曲を書いたり、自分の作品を作ったりすることを知っていますが、それでもその依頼は彼が自分の思うように表現できるものです。彼が商業的に成功しているとは言いませんが、カニエ・ウェストなどと比べても、私は彼と同じ部屋に座って話を聞く方が断然好きです。